Ciné-Tic

Hugo Cabret

2012-01-04T06:57:00.008+01:00

de Martin Scorsese, avec Asa Butterfield, Chloe Moretz, Ben Kingsley, Sacha Baron Cohen, Christopher Lee... (2h08).

Dans le Paris des années 1930, Hugo Cabret vit dans une gare où il remonte les horloges. Jeune orphelin abandonné par son oncle après la mort de ses parents, il n'a de cesse de percer le mystère d'un automate, seul souvenir de son père...

Entrez dans la magie du cinéma avec Martin Scorsese et laissez-vous porter par sa représentation pittoresque du Paris des années 1930. Grâce à la 3D très bien utilisée par le réalisateur, on est plongé dès le premier plan séquence dans l'univers animé de la gare de Lyon au début du XXème siècle.

Comme toutes les gares, elle est peuplée de personnages attachants et bien campés que l'on découvre sous les yeux du jeune Hugo : un chef de gare patibulaire (interprété par Sacha Baron Cohen surprenant), une fleuriste attachante (Emily Mortimer), un libraire passionné (Christopher Lee) et..., non des moindres, le célèbre réalisateur Georges Méliès, vendeur de jouets sans le sous (admirablement ressuscité par Ben Kingsley).

Passée la découverte des personnages et le percement de l'énigme liée à l'automate, Hugo Cabret se transforme en hommage au cinéma muet et au grand Georges Méliès. En passionné de cinéma, Scorsese nous donne sa leçon de cinéma et nous fait vivre le quotidien de Méliès durant sa splendeur. Magique ! A voir absolument en 3D pour encore plus de réalisme.

Hugo Cabret

Meilleurs voeux 2012 !

2012-01-02T08:19:00.002+01:00

Ciné-Tic vous souhaite une bonne année 2012, remplie de bons films :)

Les sorties attendues de ce mois de janvier laissent déjà supposer de belles heures de cinéma :

J. Edgar, de Clint Eastwood avec Leonardo Di Caprio et Naomi Watts : le 11/01/2012,
Millenium de David Fincher avec Daniel Craig et Christopher Plummer : le 18/01/2012,
et Bilbo le Hobbit de Peter Jackson d'après Tolkien avec le toujours jeune Christopher Lee qui présente ses voeux en vidéo avant d'évoquer le tournage.

Melancholia et Le Discours d'un Roi récompensés aux European Film Awards

2011-12-07T08:20:00.008+01:00

Lars Von Trier a été largement récompensé ce samedi 3 décembre lors de la cérémonie des European Film Awards (EFA) qui a tenu sa 24ème édition à Berlin.

Le réalisateur danois a reçu le prix du meilleur film européen 2011 pour son film Melancholia, également primé pour ses somptueux décors (Jette Lehmann) et sa photographie lumineuse (Manuel Alberto Claro).

Le Discours d'un roi est l'autre grand gagnant de la cérémonie présidée par Wim Wenders. Après l'Oscar 2011 de la meilleur interprétation masculine, Colin Firth reçoit le prix du meilleur acteur européen pour son incarnation du roi Georges VI. Tariq Anwar est primé pour le meilleur montage tandis que le film est auréolé du prix du public 2011.

Après un Grand Prix décroché au dernier festival de Cannes, Les frères Dardenne se voient attribuer le prix européen du meilleur scénario pour Le Garçon au vélo.

Enfin, la liste ne serait pas complète sans le prix de la meilleure actrice qui revient à la comédienne britannique Tilda Swinton pour son rôle difficile dans le film de Lynne Ramsey, We need to talk about Kevin.

A noter pour terminer que le film français The Artist (en bonne voie pour les Oscars 2012) est auréolé du prix de la meilleure musique que l'on doit à Ludovic Bource.

Pour en savoir plus sur les European Film Awards (EFA).

The artist

2011-10-23T18:15:00.011+02:00

de Michel Hazanavicius, avec Jean Dujardin, Bérénice Béjo, John Goodman, James Cromwell... (1h40).

En 1927, Georges Valentin est l'acteur fétiche des studios Kinograph. A la sortie d'une avant-première, il fait la connaissance d'une jeune femme qui rêve d'être actrice. Ils tourneront par hasard un film ensemble. Mais face à son refus de s'adapter au cinéma parlant, Georges Valentin tombe en disgrâce au sein du studio. Parallèlement à sa déchéance, Peppy Miller devient la coqueluche des studios...

Splendeur et décadence d'une vedette du cinéma muet à l'arrivée du parlant. Ainsi pourrait-on résumer The Artist. Evoqué de cette façon, le film prend des allures de Chantons sous la pluie. Sauf que pour faire son film, Michel Hazanavicius a décidé d'adopter un parti pris ambitieux : raconter l'histoire de Georges Valentin comme au temps du cinéma muet, sans paroles.

Tous les attributs techniques du cinéma muet sont là, réunis pour notre plus grand plaisir : le jeu appuyé des acteurs, les intertitres, les effets d'ouverture et de fermeture à l'iris et une musique très expressive et évocatrice. On pense évidemment à Charlie Chaplin - qui refusa le parlant jusqu'aux Temps modernes, en 1936 - à Mack Sennet, ou encore au Cameraman de Buster Keaton.

Bref, c'est toute l'ambiance des studios qui renaît sous nos yeux. L'histoire du cinéma américain est balayée à coups de caméras pour faire revivre cette belle époque avec ,et c'est habilement fait. En revanche, la déchéance de Georges Valentin est un peu trop longue à mon goût. Heureusement, cette baisse de régime est sauvé par la fin du film rappelant Tous en scène de Minnelli. Un bel exercice de style, plein de tendresse et un cri d'amour au cinéma muet.

Mention particulière aux acteurs du film : surprenant Jean Dujardin en acteur à la dérive inspiré de John Barrymore, Douglas Fairbanks et John Gilbert, pétillante Bérénice Béjo en actrice montante et danseuse de claquettes, imposant John Goodman en nabab des studios Kinogaph, émouvant James Cromweell dans le rôle du chauffeur et étonnant Uggy dans le rôle du chien, meilleur ami de l'Artist. A voir sans a priori, pour le simple plaisir de replonger dans le cinéma des années 20.

The Artist

La guerre est déclarée

2011-09-24T19:26:00.011+02:00

réalisé par Valérie Donzelli, avec Valérie Donzelli, Jérémy Elkaïm, Frédéric Pierrot (1h40).

Juliette rencontre Roméo dans une soirée. C'est le coup de foudre. Ils ont un enfant. Mais tout s'écroule le jour où les jeunes parents apprennent que leur fils Adam a une tumeur au cerveau...

Le thème était casse-gueule : comment traiter le sujet de la maladie d'un enfant sans tomber dans le mélo ? En voyant La guerre est déclarée, on peut dire que le pari est réussi pour Valérie Donzelli et Jérémy Elkaïm. Nul apitoiements dans ce film. Sans doute parce que les auteurs parlent de leur propre histoire. On sent la sincérité dans les images de leur film.

Certes, ce n'est pas un chef d'œuvre. Le film souffre de maladresses et de défauts de jeunesse : sur-utilisation de la voix-off ou des montages parallèles, abus de couverture musicale dans la bande-son.

Mais certains passages sont très bien vus comme l'annonce de la maladie ou la rencontre avec le médecin. On se sent concerné et on éprouve le doute et la peur avec ces jeunes parents. Alors, que demander de plus ?

A noter que le film a été sélectionné pour représenter la France dans la course aux Oscars. On attend la suite.

La grotte des rêves perdus

2011-09-14T20:53:00.007+02:00

de Werner Herzog, avec la participation de Jean Clottes, Jean-Michel Geneste, commentaires dits par Volker Schlöndorff (1h30).

Ayant obtenu l'autorisation de pénétrer dans la grotte Chauvet pour y réaliser un documentaire en 3D, Werner Herzog nous fait découvrir les peintures rupestres les plus vieilles au monde. Voyage au cœur d'un patrimoine hors du commun sur les traces de nos ancêtres des cavernes.

Quelle bonne idée que celle d'avoir imaginé le tournage en 3 dimensions d'un documentaire dans la célèbre grotte Chauvet, interdite au public pour des questions de conservation ! Werner Herzog utilise pleinement le potentiel de cette technologie pour nous montrer l'importance de cet art vieux de 35 milliers d'années.

C'est d'autant plus pertinent que les peintures rupestres de la grotte Chauvet épousent les reliefs de la cavité pour donner aux animaux représentés une impression de mouvement.

On boit les paroles des archéologues et scientifiques interrogés par le réalisateur et les dessins finissent par s'animer sous nos yeux avant d'envahir notre esprit, comme dans un rêve.

Magnifique et fascinant !

Melancholia

2011-09-12T22:37:00.003+02:00

de Lars Von Trier, avec Kristen Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, John Hurt, Charlotte Rampling, Stellan Skarsgard (2h10).

"Mélancolie : état affectif plus ou moins durable de profonde tristesse, accompagné d'un assombrissement de l'humeur et d'un certain dégoût de soi-même et de l'existence". A n'en point douter, Justine souffre bien de ce mal nommé mélancolie qui la ronge de l'intérieur et l'envahit toujours plus, y compris le jour de son mariage. Serait-ce le poids de la planète Melancholia qui l'affecte ?

Et si c'était la fin du monde, comment réagirions-nous ? Sombrerions-nous dans la peur comme Claire, ou dans la résignation - voire l'excitation - comme Justine ?

Comme transcendé par l'idée d'une destruction subite de la terre, Lars Von Trier signe avec Melancholia un opéra en 2 actes dans lequel se révèle la vrai nature des personnages. A la manière de Festen, il fait tomber les masques durant le repas de mariage de Justine et Michael, filmant les protagonistes en présence avec brutalité, dévoilant ainsi les faux-semblants.

Puis il achève son film en apothéose avec le crash de la planète Melancholia sur terre, comme une évidence, un passage obligé. Les images sont magnifiques et troublantes, empreintes tout à la fois de réalisme et d'exagération.

Et si tout cela n'était que pure représentation de l'esprit ? Lars Von Trier fait exploser les certitudes et nous interroge au plus profond de notre âme, avec un sens indéniable de la mise en scène. On appréciera l'intensité d'interprétation de Kristen Dunst dans le rôle de Justine (Prix d'interprétation féminine à Cannes), tout comme la subtilité du jeu de Charlotte Gainsbourg dans le rôle de sa sœur Claire.

Un moment fort en émotions, une grande dépression, une plongée dans les états d'âme de Lars Von Trier.

La Piel que habito

2011-08-28T13:43:00.011+02:00

de Pedro Almodovar, avec Antonio Banderas, Elena Anaya et Marisa Paredes (1h57).

Qui est donc Vera et de quoi souffre-t-elle pour vivre seule dans sa chambre, enfermée, et constamment vêtue d'une combinaison couleur chair qui sculpte sa silhouette impeccable ? Et quelle est sa relation avec le Docteur Robert Ledgard qui la tient recluse dans sa propriété de Tolède, avec la complicité de Marilia, la maîtresse de maison ?

Le moins que l'on puisse dire est que La Piel que habito, dernier film du cinéaste madrilène Pedro Almodovar, ne manque pas de suspense et de zones d'ombre. Et plus on s'enfonce dans le film, plus il se fait lourd et grave, sombrant dans la douleur des blessures identitaires et dans la folie des hommes. On pense aux Yeux sans visage de Georges Franju ou encore à Vertigo d'Alfred Hitchcock, mais c'est bien l'univers du réalisateur espagnol qui nous absorbe.

Quand Pedro Almodovar s'empare des progrès de la médecine pour s'interroger sur les questions d'identité et de rapport à la mère qui parcourent toute sa filmographie, ça donne un film trouble et dérangeant. Le réalisateur distille les informations au compte-goutte pour amener le spectateur à comprendre la gravité de la situation et faire émerger la violence des sentiments qui animent les personnages, tout en restant toujours à l'écart de la morale.

Antonio Banderas est parfait dans son rôle de chirurgien esthétique à la dérive et Elena Anaya magnifique et toute en fragilité. Quant à Marisa Paredes, elle incarne à merveille le rôle matriarcal de la femme de maison et confidente du médecin, toute en subtilité et en conviction.

On est surpris, bousculé, dérangé et une fois de plus touché par la valse des émotions que le maestro Pedro a su mettre en musique et en accords pour nous donner la chair de poule. Pari réussi !

Minuit à Paris

2011-05-18T08:01:00.008+02:00

de Woody Allen, avec Owen Wilson, Marion Cotillard, Kathy Bates, Carla Bruni... (1h34).

Scénariste reconnu à Hollywood, Gil travaille actuellement à l'écriture d'un roman. Il est venu chercher l'inspiration à Paris avec sa fiancée, qu'il est sur le point d'épouser. Tandis qu'il s'égare seul, un soir dans les rues de la capitale, Gil est invité à se joindre à un groupe de noctambules qui se rend à une soirée. Il se retrouve immergé dans le Paris des années 1920. Gil fait alors la connaissance de ses idoles dans les soirées mondaines et rencontre Adriana, la muse des artistes dont il tombe amoureux...

Woody Allen adore Paris. On le sait et il le dit joliment dans Minuit à Paris. Notamment dans la séquence d'introduction du film qui nous rappelle sa façon de filmer New-York dans Manhattan.

Woody Allen aime également les années 20 auxquelles il rend hommage par la réincarnation dans son film des plus grands représentants de l'époque : Scott-Fitzgerald, Hemingway, Picasso, Dali, Toulouse-Lautrec... Ils sont tous là, bien présents. On s'amuse à les reconnaître et à vivre à leurs côtés. Dommage que cette succession d'apparitions hors du temps prenne parfois des airs de catalogue. Heureusement, il y a le charme de la muse Marion Cotillard et la fraîcheur de Léa Seydoux qui apportent séduction et légèreté à ce voyage dans le temps. Woody Allen a décidément bon goût !

Pour les inconditionnels de Woody Allen, de Paris et de séduction.

Animal Kingdom

2011-05-16T07:08:00.003+02:00

de David Michôd, avec Guy Pearce et James Frecheville (1h52).

Après la mort brutale de sa mère, victime d'une overdose, Josh fait irruption dans la vie de sa famille maternelle et découvre un univers criminel dont il avait jusque-là été préservé : cambriolages, trafic de drogue, corruption...

Il observe, distant, mais se laisse malgré lui absorber par l'engrenage. D'autant que la Police profite de son arrivée pour tenter d'arrêter le clan des Cody...

David Michôd frappe fort pour son premier film : Grand Prix du Jury dans la catégorie "fiction étrangère" au festival de Sundance 2010 et Prix de la critique internationale au festival du film policier de Beaune.

C'est vrai qu'Animal Kingdom marque les esprits par sa dynamique implacable et son côté ethnologique, sauvage. On est constamment surpris par la tournure des événements, jusqu'à la fin.

Quasiment tous inconnus, sauf Guy Pearce (Priscilla, folle du désert, L.A. Confidential, Memento, Le Discours d'un roi), les acteurs participent beaucoup à la force du film. Particulièrement James Frecheville qui apporte une distance et une apparente naïveté au personnage de Josh, et Jacki Weaver nominée aux Oscars (second rôle féminin) pour son interprétation de matriarche prête à tout pour défendre ses enfants.

Un bon polar, inattendu, sauvage et implacable.

C'est parti pour le festival de Cannes 2011 !

2011-05-12T13:17:00.000+02:00

Ça y est, le coup d'envoi du 64ème festival de Cannes a été donné hier soir. C'est parti pour une dizaine de jours de montée des marches, de strass et de 7ème art.

La cérémonie d'ouverture, joliment animée par Mélanie Laurent, fut notamment l'occasion de rendre hommage au président du festival Robert De Niro et d'attribuer une palme d'honneur à Bernardo Bertolucci.

C'est d'ailleurs le réalisateur italien du Dernier Empereur et de 1900 qui a déclaré l'ouverture du festival 2011 : « Declaro il Festivale di Cannes aperto. Je déclare le Festival de Cannes ouvert ». La projection du dernier film de Woody Allen, Midnight in Paris pouvait alors commencer...

Deux films en compétition aujourd'hui :

We need to talk about Kevin de Lynne Ramsay,
Sleeping beauty de Julia Leigh.

A suivre...

Pina

2011-05-03T21:11:00.006+02:00

de Wim Wenders, avec les danseurs du Tanztheater Wuppertal (1h43).

Comment donner sa vraie dimension à un spectacle de danse filmé ? C'est le projet imaginé par Wim Wenders il y a une dizaine d'années avec la complicité de son amie Pina Bausch pour conserver les images d'un spectacle de danse.

L'arrivée de la technologie 3D est perçue par le cinéaste et la chorégraphe comme la promesse d'une concrétisation de leur projet commun. Projet remis en question lorsque Pina Bausch mourut prématurément pendant la préparation du film.

Impossible alors pour Wim Wenders de continuer sans son amie. Ce sont les membres de la troupe du Tanztheater Wuppertal qui ont convaincu le cinéaste d'achever le film, en hommage à la chorégraphe.

Pina est selon Wim Wenders le moyen de laisser une trace des mises en scène de la chorégraphe à travers des ballets filmés de 4 de ses spectacles : Café Müller, Le Sacre du Printemps, Vollmond et Kontakthof. L'intérêt du film réside autant dans la 3D que dans la reproduction de ballets en extérieur, au coeur de la ville de Wuppertal, près de Düsseldorf.

C'est un bel hommage au travail de Pina Bausch et à sa conception de la danse comme expression de la vie et expérience humaine. A voir en complément, Les Rêves dansants, documentaire sorti en 2010 au cinéma sur la reprise par la chorégraphe de sa pièce Kontakthof avec un groupe d'adolescents. Grâce à ces deux films, Pina Bausch est toujours vivante.

Festival de Cannes 2011 : bientôt la 64ème édition

2011-04-19T08:15:00.005+02:00

Ca y est, on connait enfin la sélection des films du prochain festival de Cannes qui aura lieu du 11 au 22 mai prochain.

Comme d'habitude, de grands noms figurent dans la sélection officielle et concourent pour la Palme d'Or :

Pedro Almodovar,
Les frères Dardenne,
Aki Kaurismäki,
Terence Malick,
Nanni Moretti,
Lars Von Trier...

Du côté français, ce sont Bertrand Bonello, Alain Cavalier et Maïwenn qui représenteront les couleurs de notre cinéma hexagonal. Il me semble que leurs chances sont infimes face aux pointures internationales auxquelles ils seront confrontés. Je pense notamment à Terence Malick, réalisateur rare aux films puissants. La bande annonce de son film, The Tree of life, est en effet très alléchante et énigmatique.

La bataille risque d'être rude et acharnée autour du président du jury de cette 64ème édition du festival de Cannes : j'ai nommé Robert De Niro. De belles heures de cinéma en perspective !

Alors rendez-vous sur la Croisette le 11 mai prochain pour l'ouverture du festival, avec la montée des marches de Woody Allen pour la présentation de son dernier film, Midnight in Paris.

Winter's bone

2011-03-07T21:27:00.009+01:00

de Debra Granik avec Jennifer Lawrence et John Hawkes (1h40).

Ca se passe dans le Missouri, dans cette Amérique profonde et rurale où l'on deale ou prend de la drogue pour survivre. Dans cet univers impitoyable, Ree Dolly, 17 ans, s'occupe de son frère Sonny et de sa soeur Ashlee, tentant bien que mal de combler l'absence de leur mère malade.

La situation se gâte lorsque Ree apprend que son père a mis leur maison en gage à sa sortie de prison. Or il a disparu de la circulation, et s'il ne se présente pas à son procès, la maison sera saisie. Ree décide de partir à sa recherche et de le retrouver, mort ou vif, pour assurer la survie de la petite famille...

Voilà un sacrée surprise ! Debra Granik signe avec Winter's bone sa 2ème réalisation et manifeste un réel talent pour filmer l'Amérique profonde et faire surgir de rares moments de poésie dans cet univers de brutes. En témoigne sa façon de saisir l'atmosphère conviviale d'une soirée d'anniversaire rythmée au son du banjo et des chansons du folklore local.

Plus encore, on est ébloui par la force et la témérité du personnage de Ree Dolly interprété par la jeune Jennifer Lawrence. "Pure et dure", ce sont ses propres qualificatifs. Et on sent bien qu'elle ne lâchera pas l'affaire tant qu'elle n'aura pas obtenue ce qu'elle souhaite. Belle leçon de courage, d'interprétation et de mise en scène. Primé aux festival de Deauville et de Sundance.

Retour sur les Césars 2011

2011-03-05T20:11:00.019+01:00

Après mes pronostics, un retour s'impose sur les Césars 2011.

Des Hommes et des dieux de Xavier Beauvois est récompensé à juste titre pour le meilleur film, tout comme Roman Polanski qui reçoit le César du meilleur réalisateur pour The Ghost writer.

Comme je l'avais imaginé, sauf pour Lambert Wilson qui rate le César du meilleur acteur. Pour moi, c'est l'acteur de l'année 2010 pour son rôle dans le film de Xavier Beauvois, Des Hommes et des dieux et dans La princesse de Montpensier de Bertrand Tavernier. L'occasion a été manquée. Certes, il n'est jamais trop tard, comme ce fut le cas pour Michael Lonsdale récompensé pour son second rôle dans Des Hommes et des dieux (encore).

Les Césars de la meilleure actrice et du meilleur acteur vont respectivement à Sarah Forestier pour son rôle dans le nom des gens de Michel Leclerc et Eric Elmosnino pour Serge Gainsbourg, une vie héroïque de Joann Sfar. Et le film sur Gainsbourg reçoit également le prix du meilleur premier film.

Au bout du compte, il y en a un peu pour tout le monde : Des Hommes et des dieux se voit auréolé de 3 Césars, The Ghost Writer en reçoit 4 et Serge Gainsbourg une vie héroïque, 3 également. Un équilibre a été respecté pour satisfaire tous les goûts.

Hommage à Annie Girardot

2011-03-01T08:16:00.008+01:00

J'ai découvert le talent d'Annie Girardot dans Les Misérables de Claude Lelouch en 1995.

Comme pour Belmondo quelques années plus tôt dans Itinéraire d'un enfant gâté, Lelouch nous faisait re-découvrir une grande actrice. Elle obtint d'ailleurs le César du meilleur second rôle féminin pour son interprétation de Mme Thénardier dans le film.

Puis j'ai vu Rocco et ses frères de Luchino Visconti (1960) dans lequel Annie Girardot crevait l'écran aux côtés de Delon. Et là, j'ai pris conscience de l'importance de cette actrice dans l'histoire du cinéma.

Une grande Dame est partie.

And the Oscar goes to...

2011-02-24T22:17:00.014+01:00

Une fois n'est pas coutume, les Césars et les Oscars seront remis cette année durant le même week-end.

La cérémonie des Oscars au Kodak Theater de Los Angeles aura lieu dimanche soir et sera l'occasion d'un grand show à l'américaine. Faute de pouvoir y participer ou même de pouvoir suivre sa retransmission sur Canal+, je me risque à faire mes pronostics !

Meilleur film : Le Discours d'un roi de Tom Hooper,
Meilleur réalisateur : Joel et Ethan Coen pour True Grit,
Meilleur film étranger : Incendies de Denis Villeneuve.

Meilleure actrice : Natalie Portman dans Black Swan,
Meilleur acteur : Colin Firth dans Le Discours d'un roi,
Meilleure actrice dans un second rôle : Hailee Steinfeld dans True Grit,
Meilleur acteur dans un second rôle : Geoffrey Rush dans Le Discours d'un roi.

Je n'ai pas encore vu True Grit mais je pressens un grand moment de cinéma et des récompenses aux Oscars 2011.
A suivre...

Le César est attribué à...

2011-02-22T22:21:00.001+01:00

Quelques jours avant la cérémonie des Césars, je me risque à faire mes pronostics.

Meilleur film : Des Hommes et des Dieux de Xavier Beauvois,
Meilleur réalisateur : Roman Polanski pour The Ghost writer,
Meilleur premier film : Gainsbourg (vie héroïque) de Joann Sfar,
Meilleur film étranger : Bright star de Jane Campion.

Et pour récompenser les acteurs et actrices :

Meilleur acteur : Lambert Wilson dans Des Hommes et des Dieux,
Meilleure actrice : Catherine Deneuve dans Potiche,
Meilleur acteur dans un second rôle : Michael Lonsdale dans Des Hommes et des Dieux,
Meilleure actrice dans un second rôle : Karin Viard dans Potiche,
Meilleur espoir masculin : Raphaël Personnaz dans La Princesse de Montpensier,
Meilleur espoir féminin : Yasmina Torres dans Vénus noire.

Bien sûr, il y a d'autres prix... mais ceux-ci sont les plus médiatiques.
La suite vendredi soir lors de la remise des prix.

Dans tous les cas, je ne saurais accepter l'absence au palmarès de Lambert Wilson, Michael Lonsdale, Xavier Beauvois et Roman Polanski.

Et vous, quels sont vos favoris pour les Césars 2011 ?

Prix des auditeurs du Masque et la plume sur France Inter

2011-02-21T21:52:00.000+01:00

Le 21ème prix des auditeurs du Masque et la plume a été décerné le 20 février 2011 aux films :

Des hommes et des dieux de Xavier Beauvois pour le meilleur film français,
The Ghost writer de Roman Polanski pour le meilleur film étranger.

Peut-être un avant-goût des Césars qui seront remis vendredi 25 février prochain puisque les deux films partent favoris et sont nommés respectivement 11 et 8 fois dans la sélection 2011 !

Black Swan

2011-02-20T17:51:00.001+01:00

de Darren Aronofski, avec Natalie Portman, Vincent Cassel, Mila Kunis, Barbara Hershey, Winona Ryder (1h43).

Tout le monde connaît le Lac des Cygnes de Tchaikovski. Au New-York City Ballet, le chorégraphe Thomas Leroy (Vincent Cassel) a l'ambition d'en faire une nouvelle adaptation, d'une intensité et d'une sensualité jamais vues. Pour cela, il a besoin d'une danseuse capable d'incarner à la fois la douceur du cygne blanc et l'animalité du cygne noir. Deux danseuses s'affrontent, un metteur en scène dirige et manipule ses danseuses, et un opéra naît sous nos yeux, enflammé et douloureux...

Darren Aronosfsky (Requiem for a dream) est assurément doué pour filmer les doutes, la souffrance et la névrose. Il réussit à merveille à nous fait éprouver la souffrance physique et psychologique de Nina (Natalie Portman), danseuse disciplinée et jusqu'au-boutiste prête à tout pour incarner le rôle titre du Lac des Cygnes. Et on assiste à la métamorphose absolue d'une danseuse en cygne. Ce film est une épreuve, une expérience, par moment même une agression.

Grâce à ce film sublime et magistral, une étoile brille sous nos yeux : Natalie Portman obtient enfin un rôle à la hauteur de son talent. On n'oubliera pas de sitôt la grâce avec laquelle elle transcende le film et l'opéra. Mention particulière également à Vincent Cassel, très inspiré dans son rôle de metteur en scène ambigu, et Barbara Hershey, en mère protectrice et possessive qui rappelle Annie Girardot dans La Pianiste (2001) de Michael Haneke. Bouleversant. On n'en sort pas indemne !

Le Discours d'un roi

2011-02-16T08:15:00.000+01:00

de Tom Hooper, avec Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham Carter et Derek Jacobi (1h58).

Le roi en question, c'est Georges VI, souverain du Royaume-Uni de 1936 à 1952 et père d'Elizabeth II. Il n'était pas destiné à régner puisque frère cadet de la famille. Mais la démission de son frère Edouard VIII pour épouser une américaine deux fois divorcée provoque l'accession au trône du prince Albert.

Et il a un problème : le prince et tout nouveau roi bégaye et ne peux prononcer un discours sans buter sur les mots, alors même qu'on assiste à une explosion de la radio. Seule solution : faire appel à un orthophoniste pour travailler sa diction. Ce sera Lionel Logue, médecin australien, reconnu pour ses résultats comme pour ses méthodes peu conventionnelles.

Magnifique interprétation de Colin Firth (Georges VI) et de Geoffrey Rush (Lionel Logue), mise en scène sensible et efficace de Tom Hooper, sans pour autant tomber dans la familiarité, et très bonne utilisation de la musique du "frenchy" d'Alexandre Desplat. Et une séquence finale mémorable, haletant et émouvante à la fois.

Incendies

2011-02-08T08:17:00.000+01:00

de Denis Villeneuve, avec Rémy Girard, Lubna Azabal, Mélissa Desormeaux-Paulin et Maxim Gaudette (2h03).

Quelle histoire ! Tout commence avec l'ouverture du testament de Nawal Marwan devant ses jumeaux, Jeanne et Simon. L'ambiance est lourde : la défunte annonce post mortem à ses enfants que leur père n'est pas mort à la guerre comme elle l'avait toujours dit, et qu'ils ont un frère inconnu.

Un testament, et deux lettres que les jumeaux sont chargés de remettre respectivement à leur père et leur frère. Commence alors pour Jeanne bientôt suivie de son frère une quête sur les traces du passé de leur mère, dans un pays très proche du Liban...

Quelle histoire, que celle imaginée par le dramaturge Wajdi Mouawad, habilement transposée à l'écran par Denis Villeneuve ! On va de surprise en surprise jusqu'à la révélation finale, édifiante et bouleversante. Cri de colère et de désespoir et véritable brûlot contre les extrémismes de tous bords. A voir absolument.

Au-delà (Hereafter)

2011-02-03T22:57:00.000+01:00

de Clint Eastwood, avec Cécile de France, Matt Damon et Derek Jakobi.

Comment traiter un sujet comme celui de la relation entre les vivants et les morts sans se casser la figure ? Voilà le challenge que Clint Eastwood tente de relever dans son dernier film.

Au-delà évoque les histoires individuelles de 3 personnages confrontés à la mort, chacun à leur manière : Marie, journaliste française (Cécile de France) manque de mourir noyée lors du tsunami de Phuket, Georges (Matt Damon) est un américain qui a le don de discuter avec les morts simplement en touchant les mains d'une personne et Marcus perd son frère jumeau dans un accident de la route en Angleterre.

Malgré les faiblesses du scénario de Peter Morgan (The Queen, de Stephen Frears), Clint Eastwood réussit à reconstituer un tsunami effrayant de désolation et réalise une histoire anglaise très émouvante. Néanmoins, la structure mécanique du montage juxtaposant les séquences française, américaine puis anglaise ne convainc pas. On reste à la surface du sujet et le film laisse un goût d'inachevé. Dommage !

Disparitions de John Barry et Maria Schneider

2011-02-03T22:41:00.000+01:00

Après le compositeur John Barry (auteur du thème de James Bond ou de la bande originale d'Out of Africa), c'est l'actrice Maria Schneider qui disparaît cette semaine. Inoubliable aux côtés de Marlon Brando dans Le Dernier tango à Paris de Bernardo Bertolucci (1972).

Bonne année 2011

2011-01-09T22:07:00.001+01:00

Heureuse de vous retrouver sur Ciné-Tic pour cette nouvelle année :)
Je vous souhaite plein de bonnes choses et de grands moments de cinéma pour 2011.

A venir sur les écrans le 19 janvier, le dernier film de Clint Eastwood intitulé Au-delà (Hereafter).

La bande-annonce est attirante et intriguante mais le sujet surprend. Le film traite de la relation à la mort à travers l'expérience de trois personnages :

un médium (interprété par Matt Damon) capable de communiquer avec les morts,
une journaliste (Cécile de France) échappant de justesse à un tsunami,
et un petit garçon touché par le décès d'un proche.

On attend la rencontre avec impatience pour en savoir plus...

Connaissez-vous vraiment Juliette Binoche ?

2010-06-07T22:34:00.000+02:00

Service offert par Quizz.biz

Copie conforme

2010-06-07T20:03:00.000+02:00

d'Abbas Kiarostami, avec Juliette Binoche, William Shimell et Jean-Claude Carrière (1h46).

James (William Shimell) est un écrivain anglais venu en Italie présenter son dernier livre, "Copie conforme". Dans son essai, l'auteur évoque la relation entre art et copie, entre réalité et fiction. Cette réflexion intéresse une galeriste (Juliette Binoche) qui s'arrange pour organiser une rencontre avec l'écrivain lors d'un voyage en Toscane. Commence alors une relation ambigüe entre l'homme et la femme. Quelle est la part de vérité dans leur relation ? Sont-ils vraiment étrangers ou se connaissent-ils déjà ?

Une fois n'est pas coutume, Abbas Kiarostami a choisi de quitter l'Iran pour tourner son dernier film. Il a planté sa caméra en Toscane et part sur les traces de Rossellini et son "Voyage en Italie". Le résultat est assez déroutant, faisant passer le couple du stade de l'attirance au rejet le temps d'un café dans un bar. Et l'on découvre que les deux protagonistes du film se sont peut-être marié il y a 15 ans, sans réussir à se comprendre.

La mise en scène est magnifique, jouant sur les reflets du pare-brise de la voiture ou l'image renvoyée par un miroir. Elle met en exergue l'importance du point de vue et du regard sur le monde. Et la fin ouverte du film laisse le spectateur seul juge de l'issue du film, laissant planer le doute sur leur relation et leur avenir ensemble. Et si le spectateur était un acteur à part entière de l'œuvre d'art en train de se dérouler sous ses yeux ? Prix d'interprétation controversé pour Juliette Binoche au dernier Festival de Cannes.

Avatar

2010-02-21T10:46:00.000+01:00

de James Cameron, avec Sam Worthington, Sigourney Weaver, Zoe Saldana (2h40).
Voyage au pays de Pandora, chez les Na'vis...

Avatar, c'est du lourd !
Imaginé il y a 15 ans par le réalisateur de Titanic, le projet ne disposait pas à l'époque des moyens techniques nécessaires à sa réalisation. C'est en voyant les effets spéciaux du Seigneur des Anneaux que James Cameron a décidé de relancer le projet.

300 milliards de budget pour 2 années de réalisation, le film affiche un générique affolant, auquel figurent des pointures de la technique cinématographique : James Horner à la composition (Le Masque de Zorro, Titanic, Braveheart), sans compter les multiples équipes de techniciens des effets spéciaux parmi lesquelles Rob Legato (superviseur des effets spéciaux dans Titanic), les studios d'Industrial Light and Magic (ILM) et les ateliers de feu Stan Winston (Predator, Aliens, Jurassik park). On compte même quelques français dans la liste : Adrien "CaYuS" Toupet et Guillaume Fradin pour Framestore.

On est vraiment dans la grosse machine hollywoodienne ! Pour autant, je ne suis pas rentrée dans le film restant coincée derrière mes lourdes lunettes à regarder Pandora, cet univers grandiose, desservi par un scénario très léger et des personnages caricaturaux. Qui plus est, j'ai eu l'impression de revoir la Forêt d'émeraude de John Boorman, en moins réaliste !

Reste la découverte d'un jeune acteur, Sam Worthington, et l'inventivité visuelle de James Cameron qui n'est pas à négliger. On attend avec impatiente un film en 3D qui soit plus qu'une prouesse technologique utilisée pour créer de nouveaux mondes.

Propriété interdite (1966)

2010-02-20T16:13:00.000+01:00

de Sydney Pollack, avec Natalie Wood, Robert Redford et Charles Bronson (1h50).

Dans l'Amérique en crise des années 1930, Owen Legate arrive par le train dans une petite ville du Mississipi : Dodson. Il s'installe à l'auberge dirigée par Madame Starr. Sa fille Alva est l'attraction des lieux et Owen n'est pas indifférent à son charme.

J'ai récemment découvert sur petit écran ce film de Sydney Pollack qui est l'adaptation d'une pièce en un acte de Tennessee Williams. On y retrouve d'ailleurs l'ambiance des pièces du dramaturge, peuplées de personnages ambigus ou à la dérive.

Natalie Wood est parfaite dans le rôle de la jeune Alva, fille perdue à moitié prostituée par sa mère. Robert Redford, qui signe ici sa première collaboration avec Sydney Pollack, est très convaincant dans le rôle d'Owen Legate, personnage mystérieux et ambigu dont on ne comprend pas tout de suite les intentions.

La lumière signée par James Wong Howe (2 oscars à son actif) et les costumes d'Edith Head mettent magnifiquement en valeur les acteurs, notamment la beauté et le charme de Natalie Wood.

A noter l'intervention du jeune Francis Coppola sur le scénario avec Tennessee Williams himself. Un film à découvrir !

Vincere

2009-12-28T18:41:00.000+01:00

de Marco Bellochio, avec Giovanna Mezzogiorno et Filippo Timi (1h58).

Ida Dasler rencontre Mussolini pour la première fois à Trente en 1907. Elle est subjuguée par le charisme du jeune homme. Lorsqu'ils se retrouvent 6 ans plus tard à Milan débute entre eux une liaison charnelle et exclusive. Ida est prête à tout pour satisfaire les ambitions de son amant. Elle vend tous ses biens et lui donne son argent afin qu'il puisse fonder son journal : "Il Popolo d'Italia". En 1915 naît de cette liaison un enfant : Benito Albino. Si dans un premier temps Mussolini reconnaît ce fils illégitime, il n'aura de cesse de cacher cette "honte" dès qu'il aura atteint les ors du pouvoir...

Marco Bellocchio a découvert cet épisode méconnu de la vie du Duce en regardant un documentaire télévisé. Il est vrai que ces faits ont été peu médiatisés. Le réalisateur a d'emblée été intéressé par le personnage d'Ida Dasler, mère courage décidée à faire reconnaître la vérité sur sa relation avec Mussolini et le fait qu'il est le père de son enfant.

C'est d'ailleurs ce qui fait l'intérêt du film : ce glissement progressif de la personnalité de Mussolini vers celle d'Ida Dasler. Il est tout à fait intéressant et significatif de constater que l'acteur Filippo Timi qui interprète le Duce disparaît littéralement du film comme il s'efface de la vie d'Ida Dasler, faisant place à des images d'archives de l'homme politique.

Giovanna Mezzogiorno est très convaincante dans le rôle d'Ida Dasler, internée pour ne pas déranger, qui ne cesse de crier la vérité au monde. Elle mourra en hôpital psychiatrique, comme son fils.

Ciné-Tic dans Zappez plus net

2009-12-07T16:29:00.000+01:00

Connaissez-vous "Zappez plus net" ? Cette émission diffusée par France 3 Bourgogne/ Franche-Comté fait la part belle au web.

Elle est consacrée aux bourguignons et franc-comtois (comme moi) qui animent un blog ou un site internet. Et mon blog Ciné-Tic est passé dans l'édition du 28 novembre dernier.

En allant sur le site de l'émission, vous saurez pourquoi j'ai intitulé ce blog "le blog des cinéphiles en mouvement" et comment je conçois mes critiques.

Un seul objectif à tout cela : inciter les spectateurs à se rendre dans les salles obscures.

Alors bonne séance !

Le ruban Blanc

2009-11-25T14:06:00.000+01:00

de Michael Haneke, avec Christian Fiedel et Ulrich Tukur (2h25).

A la veille de la première guerre mondiale dans un village protestant d'Allemagne du nord. Des événements étranges prennent l'allure d'une croisade punitive. Qui se cache derrière tout ça ?

Une fois de plus Michael Haneke se penche sur les mécanismes de la violence. Mais contrairement à ce qui apparaissait dans son avant-dernier film, "Funny games US", la violence du ruban blanc est plus sournoise, plus feutrée. Les exactions ont lieu à visage couvert, dans une société où l'on étouffe le mécontentement. Où l'on punit les enfants à l'abri des regards réprobateurs.

Une fois de plus, derrière la froideur et la distanciation des images, d'un noir et blanc irréprochable, on saisit la critique du cinéaste, obsédé par la responsabilité de l'éducation dans la formation de la violence.

Le film est riche, dense. Et l'on n'est pas surpris qu'il ait obtenu la Palme d'Or du dernier festival de Cannes, tant sa mise en scène est maîtrisée. A noter la participation au scénario de Jean-Claude Carrière, le grand scénariste français, en tant que consultant.

Tabou (1931)

2009-10-27T18:03:00.000+01:00

de Friedrich Wilhelm Murnau et Robert Flaherty (1h24).

Quand le réalisateur allemand le plus doué de sa génération s'associe au plus grand documentariste anglais de son époque, ça donne Tabou.

Tabou est l'histoire d'un amour pur et simple contrarié par le destin et les croyances tribales. Matahi, jeune pêcheur de l'île de Bora-Bora est amoureux de la belle Reri. Mais le chef de la tribu décide de la vouer aux Dieux...

Le film est d'une beauté ahurissante dans sa description de la vie idyllique des îles polynésiennes. Associée à la dramaturgie d'un amour impossible, cette beauté paradisiaque prend des airs de paradoxe et nous plonge dans la noirceur de l'humanité.

Le film a été projeté à l'Auditorium de Lyon le 15 octobre 2009 dans le cadre du festival Lumière 2009. J'ai ainsi pu le découvrir comme il était diffusé au moment de sa sortie : accompagné en direct.

C'est le chef d'orchestre Timothy Brock, grand amateur et restaurateur des partitions de Chaplin, qui a conduit l'orchestre de Lyon. La partition écrite par Violeta Dinescu (compositrice roumaine) a très bien su illustrer le drame qui se jouait sous nos yeux, notamment grâce aux percussions.

Un moment mémorable.

The Reader

2009-07-20T22:11:00.000+02:00

de Stephen Daldry, avec Kate Winslet, Ralph Fiennes, David Kross et Bruno Ganz (2h03).

The Reader est l'adaptation d'un roman de Bernhard Schlink ("Le liseur") écrit en 1995. Il raconte l'histoire d'un adolescent qui tombe amoureux d'une femme mûre (il a 15 ans, elle en a 35) dont il ne sait pas grand chose si ce n'est qu'elle s'appelle Hanna, est contrôleur de bus et aime qu'on lui fasse la lecture.

Leur histoire d'amour dure le temps d'un été (1958) avant qu'elle ne disparaisse du jour au lendemain sans laisser de trace. Etudiant en droit, Michael retrouve néanmoins Hanna quelques années plus tard lors du procès retentissant de 6 femmes jugées pour crimes de guerre nazis.

Les sujets sont graves. Le film est subtil, ménageant des zones d'ombre pour mieux nous laisser dans le doute et nous faire réfléchir à la situation.

Comme le jeune Michael devenu adulte, on ne sort pas indemne de cette histoire. Les acteurs y sont pour beaucoup : Kate Winslet tout d'abord qui interprète, toute en subtilité, le rôle d'Hanna Schmitz, à la fois victime et bourreau de son époque. Elle a d'ailleurs obtenu l'Oscar du meilleur rôle féminin pour ce film. Puis David Kross et Ralph Fiennes, interprétant de manière sensible les rôles de Michael Berg jeune et d'âge mûr, troublé physiquement puis intellectuellement par cette femme portant un terrible secret. Enfin, on mentionnera également Bruno Ganz en prof de droit s'interrogeant sur l'humanité des lois et Lena Olin en rescapée des camps, digne et distante.

Un film à voir et à méditer.

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Whatever works

2009-07-15T18:41:00.000+02:00

de Woody Allen, avec Larry David, Evan Rachel Wood et Patricia Clarkson (1h32).

Boris Yellnikoff est un soit-disant génie de la physique qui a raté, notamment, le prix Nobel ! Il est également malheureux en mariage. Pas étonnant, avec la misanthropie qu'il trimballe... Un soir, le hasard place sur son chemin la jeune Melody, sans domicile fixe à la recherche d'un refuge. Boris accepte de l'héberger pour la dépanner... et finit par l'épouser. Elle est aussi gaie qu'il est taciturne. Tel Pygmalion, il sculpte la pensée de Melody à son image : noire. Ces deux-là font la paire, jusqu'à ce qu'arrivent dans leur entourage les parents de la jeune femme...

" N'importe quoi, pourvu que ça marche ". Telle est la traduction du titre original du film. On sait depuis Vicky Christina Barcelona que Woody Allen est plutôt libertaire. Il le prouve une fois de plus dans ce film. On retrouve ici la veine des anciens Woody, avant la trilogie européenne. Le décor est celui de New-York, sa ville fétiche. Le personne principal, bien que n'étant pas interprété par Woody himself, nous rappelle fortement le mari d'Annie Hall : le jeu et la diction de Larry David, scénariste et acteur dans la série Seinfeld, en témoignent. Le ton du film est léger, digne d'un classique du réalisateur.

On est ravis de retrouver enfin le Woody Allen que l'on aime !

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Good morning England

2009-06-02T16:08:00.000+02:00

de Richard Curtis, avec Philip Seymour Hoffman (2h15).

1966. Le Royaume-Uni interdit la diffusion du rock and roll à la radio. Un producteur indépendant a l'idée de créer une station de radio sur un bateau et d'émettre depuis la Mer du Nord. Les autorités décident alors de s'attaquer à Radio rock pour faire stopper la diffusion...

Idée originale que celle de s'attaquer au thème des radios pirates anglaises des années 1960 qui avaient pour vocation de diffuser le rock and roll, malgré l'opposition politique de l'époque.

Le film témoigne d'une époque où les Rolling Stones et autres Jimi Hendricks étaient bannis des ondes britanniques. La bande-originale du film est à ce sujet révélatrice de la richesse musicale et de l'esprit de fronde de l'époque. Le ton est volontiers provocateur et reflète bien l'atmosphère des années 1960.

Néanmoins, il manque au film un scénario qui aurait pu maintenir le rythme du film pendant toute sa durée. La promiscuité et le huis-clos deviennent vite ennuyeux, faute d'événements. De plus, les "méchants" sont trop caricaturaux pour être crédibles.

Reste un bon divertissement pour les amateurs de musique des années 60 ou nostalgiques de l'époque.

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Still walking

2009-05-03T21:36:00.000+02:00

de Kore-Eda Hirokazu (1h55).

Repas de famille à Yokohama, où un frère et une soeur sont invités pas leurs parents pour commémorer l'anniversaire de la mort de leur frère ainé.

Par petites touches, le réalisateur nous introduit dans l'histoire d'une famille ordinaire, peuplée de déceptions, incompréhension, amour et tendresse, se mêlant tour à tour dans les scènes de la vie courante.

On pense à Ozu et sa représentation de la société japonaise. Pourtant, les temps ont changé et la vie au Japon nous semble aujourd'hui beaucoup moins exotique que chez le maître.

Pourtant, cela ne dessert pas le film. Au contraire, les personnages nous semblent d'autant plus proches. Celui de Ryota en particulier : marié à une veuve avec enfant (une femme de seconde main pour la mère !), il tait son chômage pour garder honneur devant son père qui aurait voulu que ses deux fils soient médecin, comme lui.

Il est question dans ce film de la famille, des rapports parent/enfant, du vieillissement et de la mort. De la vie en général, en somme. Tout cela au rythme tranquille de la balade pratiquée par le père pour se maintenir en forme mais aussi par la famille pour se rendre sur la tombe du fils ainé.

Un film très subtil sur les relations douces-amères au sein de la famille.

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Dans la brume électrique

2009-04-23T18:00:00.000+02:00

de Bertrand Tavernier, avec Tommy Lee Jones et John Goodman (1h57).

Une jeune prostituée est retrouvée morte et sérieusement mutilée dans le bayou, tout proche de New Iberia en Louisiane. Dave Robicheaux est chargé de l'enquête. Il soupçonne "Baby Feet" Balboni d'être responsable de ce meurtre...

Adapté d'un roman de James Lee Burke, "Dans la brume électrique avec les morts confédérés", c'est le premier film de Bertrand Tavernier tourné aux Etats-Unis. Le réalisateur passionné de cinéma américain a souhaité situer son film sur les lieux mêmes de l'histoire imaginée par l'auteur.

L'atmosphère du film est très réussie, évoquant à merveille l'univers particulier de la Louisiane, frappée récemment par l'ouragan Katrina. Les images du chef opérateur Bruno de Keyser ("La vie et rien d'autre", "Autour de minuit") et la musique de Marco Beltrami ("Mesrine") contribuent grandement à traduire sur l'écran le délitement d'une société frappée par la gangrène mafieuse.

Enfin, Tommy Lee Jones est très juste dans le rôle de Dave Robicheaux. A la fois fragile et révolté, il interprète magnifiquement l'ambiguité du personnage.
Grand Prix (mérité) du premier festival international du film policier de Beaune en 2009.

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Ponyo sur la falaise

2009-04-22T10:41:00.000+02:00

d'Hayao Miyazaki (1h41).

Alors qu'il s'amuse au bord de l'eau, le petit Sosuke découvre une petite fille-poisson rouge coinçée dans un bocal de confiture. Il la sauve et décide de toujours la protéger. Commence alors une histoire d'amitié entre Sosuke et sa protégée qu'il décide de nommer Ponyo.
Cependant, le magicien Fujimoto, père de Ponyo ne l'entend pas de cette oreille et décide de récupérer la petit fille...

Adaptation de la Petite Sirène d'Andersen par le maître du cinéma d'animation japonais, "Ponyo sur la falaise" marque le retour de Miyazaki après "Le château ambulant" sorti en 2004.

On y retrouve le thème de la relation de l'homme à son environnement naturel avec l'inondation qui frappe le village du petit Sosuke.
Comme très souvent dans l'univers de Miyazaki, l'innocence de l'enfant est mise en exergue dans un monde parfois menaçant, peuplé de personnages fantastiques, à l'image de ces immenses vagues qui courent sur la mer.

Le créateur des studios Ghibli s'est également inspiré de La Walkyrie, opéra de Wagner : on retrouve en effet dans le film le thème sonore de la chevauchée ainsi que le nom d'une des Walkyrie, Brunhilde, correspondant au vrai prénom de Ponyo.

Un joli conte entre mer et terre.

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Les 3 royaumes

2009-04-22T07:05:00.000+02:00

de John Woo, avec Tony Leung et Takeshi Kaneshiro (2h25).

En 208 après J.C., le jeune empereur Han Xiandi règne sur la Chine pourtant divisée en 3 royaumes. Son Premier ministre Cao Cao rêve de s'installer sur le trône d'un empire unifié. Il convaint donc l'empereur de se lancer dans une bataille contre l'empire du sud-ouest Shu dirigé par Liu Bei. Mais Liu Bei envoie Zhuge Liang, son conseiller militaire au royaume de Wu pour y obtenir une alliance. Furieux, Cao Cao envoie une force de 800 000 soldats et 2 000 bateaux pour les écraser.

La bataille de la Falaise rouge évoquée dans ce film de John Woo a été élevée au rang de mythe au XIIIème siècle grâce à un récit épique attribué à Luo Guanzhong : l'Epopée des trois royaumes.

John Woo a décidé d'en faire une fresque épique à la manière hollywoodienne, utilisant tous les moyens visuels utilisés dans l'industrie américaine afin de rendre compte de l'héroïsme des personnages.

"Mon objectif avec ce film était de franchir les barrières culturelles et historiques de façon à donner au public occidental le sentiment de regarder "une guerre de Troie asiatique"".

Au vu de ce film, je pense que l'objectif est atteint dans la mesure où les moyens utilisés reflètent bien le côté épique de la bataille.

John Woo utilise par ailleurs les talents d'acteurs chinois ayant fait leurs preuves dans d'autres films d'actions asiatiques comme Tony Leung (Infernal Affairs, Hero) ou Takeshi Kaneshiro (Le secret des poignards volants, Hero).

Néanmoins, le film manque peut-être un peu de psychologie et reste un peu long pour nous autres occidentaux, malgré la version "abrégée" qui nous est proposée par rapport à la version chinoise. Un beau spectacle visuel néanmoins.

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La vague

2009-03-30T22:03:00.000+02:00

de Dennis Gansel.

Qu'est-ce que l'autocratie ? Tel est le sujet proposé par le professeur Rainer Wenger à ses élèves. L'autre partie de la classe réfléchira sur la notion d'anarchie.

Par la pratique, l'enseignant décide d'analyser les ressorts de cette forme de gouvernement où le souverain exerce un pouvoir absolu : en somme, une dictature.

Blasés, les élèves expriment leur souhait d'en finir avec le nazisme : depuis le temps qu'on leur en parle, ils ont bien conscience de ses dérives. Pourtant, ils se prennent au jeu de l'expérimentation. Leur mouvement se nommera la vague, leur tenue sera composée d'un jean et d'une chemise blanche et leur signe de ralliement sera un geste de la main reproduisant le mouvement ondulatoire des flots marins.

Décortiquant le processus psychologique par lequel un leader (l'enseignant) réussit à diriger un groupe d'individu, le film est fascinant et très prenant. On ne cesse de se demander ce que l'on aurait fait à la place des protagonistes de l'histoire. Et quand on sait que le film est l'adaptation d'un roman de Todd Strasser relatant lui même un fait divers, on ne peut que frissonner.

La mise en scène évoque habilement la frénésie qui s'empare des membres de la "Vague", soulignée par une musique tonitruante annonçant le chaos.
L'acteur Jurgen est très convaincant dans le rôle de l'enseignant dépassé par le mouvement qu'il met en place.

The chaser

2009-03-24T15:28:00.000+01:00

de Na Hong Jin (2h03).

Joong-ho est un ancien flic devenu proxénète. Plusieurs de "ses prostituées" ont disparu sans laisser de traces. Il découvre dans son registre qu'elles ont toutes été appelées par la même personne avant de s'évaporer. Commence alors une traque pour retrouver l'homme que Joong-ho soupçonne de kidnapper "ses filles" pour les vendre à un autre proxénète.

Présenté au dernier festival de Cannes hors compétition et primé au festival du cinéma asiatique de Deauville, The Chaser est un premier film.

Riche en rebondissements, ce film est une nouvelle preuve du dynamisme du cinéma coréen. On ne peut s'empêcher à Park Chan-wook et son admirable Old boy, de par la tension psychologique et la violence qui règnent dans le film.

On parle déjà d'un remake américain avec Leonardo Di Caprio.

Slumdog millionnaire

2009-03-23T22:52:00.000+01:00

de Danny Boyle, avec Dev Patel (2h).

Littéralement, le titre du film signifie : le "chien des bidonvilles" millionnaire. La question est en effet de savoir comment un jeune issu des bidonvilles de Bombay réussit à répondre aux énigmes de l'émission "Qui veut gagner des millions ?".

Adapté d'un roman indien de Vikas Swarup (Q&A), le film de Danny Boyle répond assez habilement à la question par un jeu de flash-backs.
On se laisse prendre à l'histoire assez extraordinaire du jeune Jamal Malik, rescapé de toutes sortes de barbaries pouvant être pratiquées dans la jungle d'un bidonville comme celui de Bombay, et candidat à un jeu télévisé ultra-populaire.

Les images sont déroutantes, parfois granuleuses, comme pour donner une impression de "pris sur le vif". La mise en scène est très "voyante", voire provoquante, comme Danny Boyle l'avait déjà fait dans Trainspotting. L'histoire est très "holly-bollywoodienne".

Pourtant, ça fonctionne très bien et on éprouve du plaisir. Que demander de plus. Oscars du meilleur film, du meilleur réalisateur et de la meilleure adaptation de l'année.

Slumdog Millionaire Bande-annonce (vost)

Le petit fugitif (1953)

2009-03-23T22:25:00.000+01:00

de Morris Engel, Ruth Orkin et Ray Ashley (1h20).

Agé de 7 ans, Joey vit dans l'admiration de son grand frère Lenny. Tous deux sont élevés dans le quartier de Brooklyn par leur mère. Cette dernière doit se rendre chez sa mère et confie la garde de Joey à son grand frère. Pour s'en débarrasser, Lennie fait mine d'avoir été tué par une balle perdue tirée par son frère. Effrayé, celui-ci prend la fuite et se retrouve à Coney Island où il va apprendre l'autonomie.

Lion d'argent à la Mostra de Venise en 1953, ex-aequo avec Les contes de la lune vague après la pluie de K. Mizoguchi, Les Vitelloni de F. Fellini et Moulin Rouge de J. Renoir, Le petit fugitif est un pur chef d'oeuvre visuel réalisé par 3 grands noms de la photographie américaine.

Au delà de cette beauté formelle, le film témoigne également d'une grande tendresse pour le personnage de Joey, magistralement interprété par le jeune Richie Andrusco.
On passe un très bon moment, à la fête foraine comme à la plage. A voir absolument, en copie neuve.

Gran Torino

2009-03-02T16:12:00.000+01:00

de Clint Eastwood, avec Clint Eastwood et Bee Vang (1h55).

Le film commence par un enterrement : celui de l'épouse de Walt Kowalski (Clint himself). Ses deux fils se demandent alors ce qu'ils vont faire de leur père, vétéran de Corée un tant soit peu grognon et misanthrope. Une nuit, ce dernier est dérangé par son jeune voisin qui tente de lui voler sa voiture...

Difficile de résumer un film aussi riche que le dernier opus du grand Clint, évoquant à la fois les relations familiales et la cohabitation entre communautés d'origines différentes, la vieillesse et l'incompréhension.

Ce que j'aime chez Clint Eastwood, c'est qu'il réussit toujours à faire des films en apparence populaires et finalement beaucoup plus profonds qu'ils n'y paraissent.

Les grognements de son personnage sont, il est vrai, un peu caricaturaux, au premier degré, mais tellement symboliques de la frustration qu'il éprouve vis à vis de ses voisins et de sa famille. Sans doute faut-il voir au-delà des apparences et ne pas s'arrêter à la surface, à la carapace. Tout est question d'ouverture et de compréhension.

Bien compris, Mister Eastwood !

Espions

2009-02-26T19:08:00.000+01:00

de Nicolas Saada, avec Guillaume Canet, Géraldine Pailhas, Hippolyte Girardot, Stephen Rea (1h39).

Vincent (Guillaume Canet) a fait de brillantes études, mais ne souhaitant pas "se fixer", il vit de petits boulots. Bagagiste à l'aéroport de Roissy, il vole occasionnellement dans les valises, avec la complicité de son collègue, Gérard. Un jour, malgré les consignes, ils ouvrent une valise de diplomate. Celle-ci explose. Son collègue est tué et il se retrouve mêlé malgré lui à une affaire d'espionnage qui place sur sa route la belle épouse (Géraldine Pailhas) d'un chef d'entreprise de l'industrie pharmaceutique travaillant en Syrie.

Premier long métrage de Nicolas Saada, ancien critique aux Cahiers du Cinéma, passionné de cinéma américain. On trouve dans son film la tension psychologique du cinéma d'outre-atlantique. De plus, sa mise en scène sait maintenir le suspense dans les moments clés du film (le diner chez l'industriel, la scène de l'aéroport).

Guillaume Canet est très juste dans son rôle de jeune homme intelligent mais têtu tandis que Géraldine Pailhas, très classe, exprime avec finesse la solitude d'une femme de chef d'industrie international.

L'étrange histoire de Benjamin Button

2009-02-24T07:46:00.000+01:00

de David Fincher, avec Brad Pitt et Cate Blanchett (2h35).

Naître avec la physiologie d'un homme de 80 ans, ce n'est effectivement pas commun. Et pourtant, c'est bien l'histoire de Benjamin, né dans une bonne famille de la Nouvelle Orléans et aussitôt abandonné par son père, effrayé par la différence.

Mais Benjamin est né sous une bonne étoile et trouve refuge... dans une maison de retraite. Que pouvait-il espérer de mieux que de se retrouver parmi ses pairs, d'apparence tout au moins. Parce que sous ses airs de vieillard, ce n'est qu'un enfant.

Adapté d'une nouvelle de Francis Scott Fitzgerald, le film nous mène sur les traces de cet homme né vieillard qui rajeunit avec le temps et croise sur son chemin des individus hors norme qui le font grandir en même temps qu'il rajeunit.

Malheureusement, David Fincher n'aborde que peu la difficulté de la différence et le fait de vivre à contre-courant. Cette nouvelle était-elle faite pour le cinéma ? Comment montrer un bébé vieillard sans friser le ridicule ? Ce sont les questions que l'on peut se poser après avoir vu le film et en attendant de lire la nouvelle.

Les maquillages sont remarquables.

Eden à l'ouest

2009-02-18T16:27:00.000+01:00

de Costa-Gavras, avec Riccardo Scamarcio, Eric Caravaca, Ulrich Tukur et Annie Dupeyrey (1h50).

Elias est ce qu'on appelle un candidat à l'exil : de sa Grèce natale, il rejoint un bateau rempli de passagers clandestins, en direction de l'Europe. Malheureusement, leur embarcation est arraisonnée. Il profite de la panique pour se jeter à l'eau et rejoindre les côtes à la nage.

C'est le début pour lui d'une épopée qui le mènera à Paris, à la recherche d'un eldorado qui n'existe sans doute pas...

Lui même exilé, Costa-Gavras a choisi l'immigration comme thème principal de son dernier film. Son personnage est pur et rempli d'idéalisme. Mais il va vite découvrir que l'Occident n'est pas aussi accueillant qu'il l'imaginait. Débrouillard, il réussit néanmoins à s'en sortir, malgré l'opposition omniprésente de la police.

Connaissant le réalisateur de Z et Amen !, on aurait pu s'attendre à un pamphlet contre les politiques actuelles de lutte contre l'immigration clandestine. Ce n'est pas le point de vue choisi par Costa-Gavras et on est un peu déroutés par le manque de point de vue dont souffre le film.

A noter néanmoins une interprétation intéressante de Riccardo Scamarcio, jeune acteur aux yeux clairs découvert dans Romanzo Criminale, qui réussit à faire passer la naïveté du personnage avec peu de dialogues et en grande partie par ses expressions.

La nuit du chasseur (1955)

2009-02-15T13:40:00.000+01:00

de Charles Laughton, avec Robert Mitchum, Shelley Winters et Lillian Gish (1h33).

Quel plaisir à la vision de ce film, unique réalisation de Charles Laughton !

On aimerait voir plus souvent des films de cette force et intensité.

Le scénario en est simple : un pasteur psychopathe rencontre en prison l'auteur d'un cambriolage comdamné à mort. A sa sortie de prison, il décide de se rendre dans la famille du condamné à mort pour y chercher l'argent que la police n'a pas réussi à trouver. Il va se heurter à la résistance des enfants du défunt, qui eux connaissent l'endroit où se trouve le magot.

La mise en scène est magnifique, sombre noir et blanc aux ombres révélatrices et inventivité visuelle et dramatique. Parmi les moments forts, on retiendra la nuit de noces et la lutte entre le bien (love) et le mal (hate) gravés sur les phalanges du pasteur.

On assiste d'ailleurs à un grand numéro de Robert Mitchum, dans un rôle effrayant à souhait. Lillian Gish est quant à elle très touchante dans son interprétation de Miss Cooper, protectrice des deux enfants.

Il Divo

2009-02-09T11:15:00.000+01:00

de Paolo Sorrentino, avec Toni Servillo (1h58).

Il Divo, c'est le Divin, l'un des surnoms donnés à Giulio Andreotti avec celui de Belzebuth, ou encore du Bossu. En effet, l'homme politique a une posture de bossu, engoncé dans son costume et caché derrière de grosses lunettes.

Giulio Andreotti est un mamouth du monde politique : 7 fois président du Conseil et 25 fois ministre. Personnage incontournable de ces 50 dernières années en Italie, c'est un bloc, mystérieux et intrigant. On le soupçonne d'être mêlé à plusieurs assassinats mais rien n'a jamais pu être prouvé.

Fasciné par l'homme politique, Paolo Sorrentino a choisi une mise en scène tonitruante pour présenter le leader du parti démocrate chrétien. La charge est incisive en même temps que brillante. Le moins que l'on puisse dire est que Sorrentino fait preuve d'une grande maestria et dépoussière le genre du film politique.

La grande force du film réside aussi dans l'interprétation que donne Toni Servillo de l'homme politique. Sa posture fait penser à celle du Nosferatu de Murnau et son attitude très distanciée est parfaite, laissant planer le mystère et l'ambigüité sur cet homme on ne peut plus controversé.

Walkyrie

2009-02-08T16:27:00.000+01:00

de Bryan Singer, avec Tom Cruise, Terence Stamp et Kenneth Branagh.

Bien sûr, les cinéphiles connaissent la chevauchée des Walkyries de Wagner, grâce à Francis Ford Coppola et Apocalypse now.

En revanche, qui connaissait l'opération Walkyrie avant ce film.

Le scénario, historique et fascinant, est l'histoire vrai d'une tentative d'assassinat menée contre Hitler en juillet 1944 par un groupe de conjurés menés par le colonel Von Stauffenberg.

Le film met l'accent sur la résistance allemande à Hitler et montre comment le colonel Von Stauffenberg, après avoir embrassé la cause du Führer, envisage de l'assassiner pour sauver ce qui reste de l'Allemagne.

Au delà d'un destin individuel, l'histoire est aussi celle du complot fomenté par plusieurs hommes pour reprendre le pouvoir aux mains d'Hitler en détournant les objectifs premiers de l'opération Walkyrie. Ce nom désigne en effet un plan de sauvetage destiné à mobiliser l'armée de réserve allemande dans l'éventualité de troubles de l'ordre public. Les conjurés avaient imaginé utiliser les forces de cette armée de réserve pour établir un nouveau gouvernement. Mais le complot ne fonctionne pas comme prévu...

Bryan Singer traite son histoire comme un film d'action, réussissant à ménager une tension psychologique, comme il avait si bien su le faire dans Usual suspects. Il s'égare parfois à des effets de mise en scène comme la contre-plongée sur le tourne-disque diffusant Walkyrie de Wagner pendant un bombardement, mais le rythme du film est soutenu et l'on ne s'ennuie jamais.

Tom Cruise est parfait dans le rôle du colonel Von Stauffenberg, officier déçu par Hitler au point de décider de l'assassiner pour défendre la dignité de son pays. Terence Stamp et Kenneth Branagh dans les rôles de Beck et Von Tresckow sont également très convaicants.

Che. 2ème partie : Guérilla

2009-02-02T11:45:00.000+01:00

Film de Steven Soderbergh, avec Benicio Del Toro et Joaquim de Almeida.

Je pensais être sortie de la jungle avec le 1er épisode et voici que Soderbergh nous y replonge dans le 2ème opus.

Finalement, je pense ne pas être faite pour la révolution, si celle-ci doit être armée. Ce n'est pourtant pas faute d'avoir envie de refaire le monde !

Bref, rien de plus enthousiasmant dans le Che 2 que dans la première partie. Benicio Del Toro est toujours aussi convaincant dans le rôle mais cela ne suffit pas selon moi à faire un grand film.

J'attendrai néanmoins le prochain film de Steven Soderbergh.

Séraphine

2009-01-28T17:10:00.000+01:00

De Martin Provost, avec Yolande Moreau, Ulrich Tukur, Anne Bennent.

Nom : Louis. Prénom : Séraphine. Plus connue des amateurs d'art sous le nom de Séraphine de Senlis. C'est dans cette ville en effet que le collectionneur Wilhelm Uhde rencontre sa peinture.

Pourtant, Séraphine n'est qu'une femme de ménage raillée et humiliée lorsque le découvreur du Douanier Rousseau voit en elle des talents de peintre.

La force du film est de nous présenter cette femme qui parle aux arbres et à la nature sans jugement aucun. Et même avec beaucoup de tendresse. Le personnage se dévoile par petites touches, ce qui rappelle un peu la façon dont une toile peut prendre forme sous nos yeux.

Yolande Moreau interprète, une fois de plus de façon très juste, le rôle de cette femme hors norme qui semble puiser son inspiration de la nature. Il semble même y avoir quelquechose de divin dans son talent.

Face à elle, Ulrich Tukur, l'officier allemand d'Amen de Costa-Gavras, est lui aussi très convaincant dans le rôle du critique d'art qui se bat pour faire connaître la peinture de Séraphine.

Et l'on n'en dira pas moins d'Anne Bennent, fille d'Heinz Bennent (le metteur en scène de théatre dans Le dernier métro de François Truffaut) et soeur de David Bennent (qui interprétait le rôle de l'enfant dans le Tambour de Volker Schlöndorff), qui joue le rôle de la soeur de Wilhelm Uhde.

On sort du film avec l'envie d'en savoir plus sur Séraphine de Senlis et son histoire, et ça, c'est plutôt intéressant !

Che. 1ère partie : l'Argentin

2009-01-27T12:12:00.000+01:00

de Steven Soderbergh, avec Benicio Del Toro.

Tout le monde connaît Che Guevara, le révolutionnaire argentin, acteur de la révolution cubaine avec Fidel Castro.

Nous avions découvert le voyage initiatique du jeune Ernesto, étudiant en médecine à la découverte de l'Amérique latine, dans le film de Walter Salles, Carnets de voyage.

On aurait aimé que Soderbergh explique comment et pourquoi le fils de bonne famille s'est engagé dans la révolution. Au lieu de cela, nous suivons les troupes des opposants à Battista dans la jungle. Et ça s'éternise...

Parallèlement aux scènes de guérilla, le réalisateur a choisi de montrer le Che plaidant la cause de l'Amérique du Sud devant l'ONU. Le contraste est étrange, mais pas forcément significatif.

Certes, Soderbergh fait preuve d'un sens de la mise en scène incontestable. Et Benicio Del Toro est très convaincant dans son incarnation du Che. Mais qu'apporte ce film à l'icone révolutionnaire ? Pas grand chose. Dommage.

On attend la suite en espérant qu'elle sera plus concluante ou encore qu'elle apportera un pendant à la première partie.

Bienvenue sur Ciné-Tic

2009-01-26T16:59:00.000+01:00

Ça y est, je me suis décidée à créer mon blog. Pour parler de cinéma, ma passion depuis de nombreuses années.

Je me présente : mon surnom est Mouchette. En référence au personnage du film de Bresson.

J'ai animé pendant plusieurs années une émission de radio sur le cinéma. Et puis ça s'est arrêté. Mais j'ai bien sûr continué à fréquenter les salles obscures.

Ce blog marque donc pour moi le début d'une nouvelle aventure cinématographique, grâce à laquelle j'espère pouvoir vous transmettre ma vision et mon amour du septième art.

A bientôt sur ce canal.